$27.95
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L'œuvre originale The Line , un dessin de 10 mètres de long déployé sur 29 panneaux en accordéon, constitue le manifeste de Saul Steinberg pour les potentialités conceptuelles de la ligne et du geste de l'artiste qui lui donne vie. Il s'agit d'un dessin conçu pour le « Labyrinthe des enfants », une structure présentée à la dixième triennale de Milan, une foire d'art et(...)
Saul Steinberg: The Line, 1954
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L'œuvre originale The Line , un dessin de 10 mètres de long déployé sur 29 panneaux en accordéon, constitue le manifeste de Saul Steinberg pour les potentialités conceptuelles de la ligne et du geste de l'artiste qui lui donne vie. Il s'agit d'un dessin conçu pour le « Labyrinthe des enfants », une structure présentée à la dixième triennale de Milan, une foire d'art et d'architecture qui s'est tenue en août 1954. Le dessin, qui était photographié, agrandi et apposé au mur, faisait partie de quatre projets réalisés par Steinberg pour le labyrinthe.Le dessin est composé d'une suite de tableaux traversés par une simple ligne horizontale. Cette ligne structure chaque tableau en se métamorphosant en différents éléments : une ligne d'eau, une corde à linge, une voie ferrée, un trottoir, une ligne de division arithmétique, un bord de table, etc. La main de l'artiste dessinant la ligne inaugure et conclut la séquence. L'ouvrage reproduit le dessin sur un dépliant de plus de cinq mètres.
Illustration
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An unsurpassed master of postwar Japanese realist photography and a reference for amateur photographers even today. The breadth and diversity of this Renaissance man’s oeuvre reveals untiring attention to and interest in the culture, art, faces, society, and politics of his country. With over 70,000 pictures taken between the 1920s and the 1980s, Domon Ken is considered(...)
Photography monographs
August 2017
Domon Ken: master of Japanese realism
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An unsurpassed master of postwar Japanese realist photography and a reference for amateur photographers even today. The breadth and diversity of this Renaissance man’s oeuvre reveals untiring attention to and interest in the culture, art, faces, society, and politics of his country. With over 70,000 pictures taken between the 1920s and the 1980s, Domon Ken is considered the supreme master of Japanese photography as well as the main exponent of realism as the only approach possible. Over the years he honed his craft, shifting from propaganda photography during the war to photography as a life’s mission, in search of his own Japan: a fascinating and silent Japan of ancient temples, Buddhist sculptures, puppet theaters (where he took refuge during the war); the seductive and expressive faces of celebrities alongside the modest ones of street urchins; the poorest Japan of mining villages; and finally his most disturbing and modern work, portraying Hiroshima and its unhealed wounds.
Photography monographs
$29.95
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La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain. Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les(...)
La photographie dans l'art contemporain
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La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain. Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les artistes, mais il s'attache surtout, et c'est là son originalité, à dresser une typologie de leurs différentes approches. Pour certains artistes, comme Sophie Calle ou Erwin Wurm, la photographie est un moyen d'enregistrer une performance ou une action quotidienne, tandis que pour d'autres, comme Yinka Shonibare ou Gregory Crewdson, elle permet la mise en scène de récits imaginaires. Andreas Gursky, Thomas Demand et Rineke Dijkstra présentent de leur côté une vision froide et en apparence objective du monde extérieur, tandis que Richard Billingham, Nan Goldin ou encore Wolfgang Tillmans donnent à voir des détails intimes de leur vie privée. Entre les mains de Luc Delahaye et d'Allan Sekula, la photographie est un moyen de créer un travail documentaire, alors que pour d'autres encore, comme Cindy Sherman ou Gillian Wearing, l'image photographique devient un réceptacle de valeurs personnelles, sociales et culturelles dans un monde saturé d'images. Au fil de sept chapitres richement illustrés, Charlotte Cotton mène une analyse originale du travail des artistes les plus importants dans ce domaine et de leurs œuvres clés, et livre ainsi une introduction subtile et exigeante à une forme qui domine la scène artistique en ce début de XXIe siècle.
Theory of Photography
$27.95
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Parmi les innombrables ouvrages consacrés à Venise, le livre de Sergio Bettini, considéré en Italie comme un classique, tient une place particulière en ce qu’il adopte dès l’abord une position qui veut concevoir Venise comme obéissant, à travers les siècles, à une intention artistique propre, faisant de la ville une seule et unique œuvre d’art, vivante et cohérente. Tout(...)
Venise ; naissance d'une ville
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Parmi les innombrables ouvrages consacrés à Venise, le livre de Sergio Bettini, considéré en Italie comme un classique, tient une place particulière en ce qu’il adopte dès l’abord une position qui veut concevoir Venise comme obéissant, à travers les siècles, à une intention artistique propre, faisant de la ville une seule et unique œuvre d’art, vivante et cohérente. Tout entière construite dans une relation à la lumière et au rythme, obéissant à un tempo pleinement humain, Venise est « la ville, la plus ville qui soit, écrit Bettini. Non seulement les places et les rues, les maisons et les églises ont été, comme partout, construites par la main de l’homme, mais le terrain lui-même a été fait par l’homme. Les Vénitiens ont dû fixer et “amarrer” leur sol, consolider le fond boueux et instable des îles avec des pylônes, relever et renforcer les grèves contre les marées, imposer aux canaux des cours moins hasardeux. Construire enfin la base elle-même de la ville, pour affirmer leur volonté de vivre, et donner à cette vie une forme et un destin». C’est l’histoire de cette forme et de ce destin que Sergio Bettini raconte ici, dessinant la mosaïque d’une ville depuis ses origines jusqu’à l’apogée de son aventure architecturale.
History until 1900, Italy
Francis Alÿs
$68.00
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Publiée à l'occasion de l'exposition de Francis Alÿs au Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne en 2021, cette monographie s'articule autour de quelques motifs essentiels qui caractérisent la pratique de l'artiste d'origine belge basé au Mexique : sa pratique vidéo depuis trente ans ; l'importance de la déambulation et de la marche pour sa méthode artistique ; son(...)
Francis Alÿs
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$68.00
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Publiée à l'occasion de l'exposition de Francis Alÿs au Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne en 2021, cette monographie s'articule autour de quelques motifs essentiels qui caractérisent la pratique de l'artiste d'origine belge basé au Mexique : sa pratique vidéo depuis trente ans ; l'importance de la déambulation et de la marche pour sa méthode artistique ; son intérêt pour les jeux d'enfants qu'il filme dans différents pays depuis 1999. De la déambulation urbaine à l'exploration des territoires et de leurs frontières documentée par des images en mouvement, le travail d'Alÿs propose une poétique de l'espace à travers des récits brefs dont la finesse et la justesse expliquent sa renommée. Si son travail interroge le lien entre acte artistique et intervention politique, l'artiste travaille toujours par allusions, avec une précision et une économie de moyens remarquables, préférant la polysémie poétique au commentaire politique frontal, privilégiant la fusion d'espaces imaginaires planifiés avec ses propres espaces fictionnels. La publication documente également Reel-Unreel, l'un des projets majeurs d'Alÿs réalisé en Afghanistan, comprenant des jeux pour enfants et des boucles d'animation dessinées à la main ainsi que des peintures et des œuvres graphiques.
Contemporary Art Monographs
$170.00
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Summary:
With cover artwork specially created by Ruscha, this book documents hundreds of projects and miscellaneous ephemera produced by the artist alongside his main oeuvre—including installations, films, painted book covers, contour gauge profiles, and more. Introducing readers to the stunning breadth of Edward Ruscha’s (b. 1937) creative output over the course of his entire(...)
Ed Ruscha: An archive of projects
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$170.00
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With cover artwork specially created by Ruscha, this book documents hundreds of projects and miscellaneous ephemera produced by the artist alongside his main oeuvre—including installations, films, painted book covers, contour gauge profiles, and more. Introducing readers to the stunning breadth of Edward Ruscha’s (b. 1937) creative output over the course of his entire life, this book includes materials dating back to his childhood and extending to his present-day output. The projects featured here fall outside Ruscha’s production of paintings, drawings, prints, and artists’ books. Many of these are unknown and most are reproduced here for the first time. Composed of three sections—Projects and Ephemera; Contour Gauge Profiles; and Painted Book Covers—the book offers Ruscha enthusiasts and scholars a hitherto unknown aspect of Ruscha’s practice, while also showing how these projects coincide with, and sometimes even prefigure, the artistic work for which he is best known. The approximately 270 painted book covers, begun in 1990, utilize found books as support for small paintings and drawings. The 57 contour gauge profiles are silhouette-like profiles made using a mechanical device for reproducing contours. The largest section, Projects and Ephemera, consists of installations, sculpture and objects, films, book and poster design, utilitarian works, and more.
Contemporary Art Monographs
$85.00
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Photographer Rinko Kawauchi (1972–), known for her expressive mastery of gentle color suffused with light, has revealed the mystery, radiance, frailty, and strength of life in all its forms since her earliest works. Her gaze falls equally on the fragile and delicate beings in her immediate vicinity, be they flora and fauna or family members, and the vast workings of the(...)
Rinko Kawauchi: M/E On this sphere, Endlessly interlinking
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$85.00
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Photographer Rinko Kawauchi (1972–), known for her expressive mastery of gentle color suffused with light, has revealed the mystery, radiance, frailty, and strength of life in all its forms since her earliest works. Her gaze falls equally on the fragile and delicate beings in her immediate vicinity, be they flora and fauna or family members, and the vast workings of the earth, such as volcanoes and glaciers formed over long eons. The unique sensibility underlying her photography reveals the connections between these subjects, which all shimmer with the same vital glow. This will be her first major exhibition in Japan in six years, showcasing the essence of Kawauchi’s oeuvre through work from the past decade combined with never-before-seen images from her archives. M/E, the main subject of this exhibition and inspiration for its title, is a new series Kawauchi began shooting in 2019. The letters stand for ''Mother'' and ''Earth,'' combining to form both ''Mother Earth'' and ''Me.'' At a glance, the series’ images of Iceland’s volcanoes and ice floes and Hokkaido’s snowy landscapes may seem distant and unrelated to the everyday scenes from the COVID-19 pandemic that accompany them in the series. However, both types of image depict events now taking place on the planet we live on, and Kawauchi’s artistry alerts us to the connection between them. This exhibition invites the viewer to reconsider a range of questions about the workings of human life and our relationship with nature. In this exhibition catalog, Kawauchi herself has composed a sequence that allows visitors to relive the three-dimensional exhibition space, from the core series of the exhibition such as the new ''M/E,'' the yet unpublished ''4%,'' and ''An interlinking'' with new images, to her latest video work. The exhibition also includes a conversation with Haruo Saji, who was an influence on Kawauchi’s practice, and three essays, of which one is written by Masatake Shinohara, exploring the current state of Kawauchi’s work through both imagery and text. By changing the format and paper for each series, despite its simple binding, the book becomes a multilayered volume that embodies the depth of the exhibition.
Photography monographs